时尚博物馆系列:ModeMuseum Antwerp

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从安特卫普中央火车站出发步行不到二十分钟,便可以来到西边市中心地带。扬名国际的安特卫普时尚博物馆(ModeMuseum Antwerp,简称MoMu)便是建于此处。和整座城市的氛围一样,MoMu所处的地段也有着强烈的社区性:围绕在博物馆附近的是Dries Van Noten等比利时时装设计师的店铺,以及法兰德斯时尚研究院(Flanders Fashion Institute)和安特卫普皇家艺术学院(Royal Academy of Fine Arts in Antwerp)时装设计部门这样的机构学府——有心的时装迷经常可以在这里偶遇到正担任着后者系主任职务的设计师Walter Van Beirendonck。

MoMu无疑是占据着这样一种鼓励和培育时装设计师环境的中心位置:博物馆顶楼的图书馆和数据资料库对各类学生和教职人员免费开放,并提供专门的实物馆藏供大家近距离研究;时装设计师和学者们也常为下一季的作品和各异的学术课题来此寻求灵感和解答。Dries Van Noten这样的设计师,甚至是从博物馆建成之初起,就在每季定期向MoMu捐赠自己的设计,用于丰富后者的收藏。

于2002年九月正式开幕的MoMu,比起巴黎或纽约等地的时尚博物馆,资历并不久远。但或许是由于少了历史的负担,MoMu更愿意尝试较为实验性的策展手段,以及时常概念化的展览主题,进而与观众贴近,并赢得同行们的赞誉。这一点,从博物馆入口外边墙壁上,一块巨大的触屏可控显示屏就可以看得出:屏幕上漂浮着各种馆内收藏服饰的图片,参观者们随意点开其中一张,便可以从弹出的文字框里了解每一件服装的设计师、年份、材质以及风格特点等。即使是在星期一博物馆按照惯例闭馆的日子,也同样有着些许观众在门口不亦乐乎地汲取着关于MoMu馆藏的各种信息。

而楼内,则是用大量硬木勾勒出的一个线条笔挺,宽敞通透的空间。这座四层楼高的建筑有着一大一小两个展厅:小一点的位于一楼内侧,是一间有着落地窗,可以望见馆后小花园的长廊式屋子;大点的主展厅在三楼,是个俯视为三角形形状的空间。如今主展厅里有序布满了嵌在墙壁里玻璃展柜。而在这之前,这里并没有这般完整的布置。博物馆为了不同展览随意改造楼体结构的事情时有发生:墙壁会被打通;地板粉刷成不同颜色。在2007年设计师Bernhard Willhelm的个人展览中,整间博物馆甚至被改造成一间气氛诡异的鬼屋样子。

虽然MoMu开馆的时间并不久,但它的历史实际上最早可追溯到上世纪六十年代。当时一场展示蕾丝制品的展览使得Sterckshof银器博物馆开始有意识地收集服装与纺织品作为馆藏。随着藏品的件数屡屡攀升,七十年代末期,这些收藏被移至安特卫普东部的Vrieselhof古堡中。九十年代时,著名的时尚教育家,“安特卫普六君子”等设计师的幕后重要推手Linda Loppa开始思考着构建一家专门以时尚为主题的博物馆,教育启迪业内人士之余也可以用来记载比利时时尚产业的历史与发展。经过她多年来在政府之间不断游说,这家名叫MoMu的博物馆在安特卫普市中心的位置找到了新址,并于二十一世纪初得以竣工开幕。而Loppa本人也从起初便担任着馆长一职,直到2007年离职接任佛罗伦萨柏丽慕达时装学院院长。在这之后,策展人Kaat Debo被提拔成为了MoMu的新馆长。

“比起其余博物馆,MoMu的优势就是,它只专注在时尚这一个主题上,”入冬时节某日的下午,Debo坐在自己的办公室向我解释道,“很多博物馆都有着卓越的服饰和纺织品馆藏,但它们专注的是装饰性艺术,时尚只是这其中的一方面。因此它们不太可能全年地向公众们提供时尚展览以及相关项目。当然,我们研究和策展的手段也很不同。因为MoMu不算是一家规模太大的博物馆,因此我们有着更大的创意自由,敢于实验新奇有趣,用于陈列展示服装的手段。因为我们一直相信,服装是为了穿着在人体之上,并不是为了博物馆而诞生的。因此策展人需要下功夫考虑怎样把这种人与服装间的微妙关系在博物馆的语境下展示出来。”

回顾MoMu早前策划过的展览,对于展品布置思考的痕迹随处可见。例如,在2016年上半年举办的,讨论高级女装设计中各类廓形变化的“Game Changers”展览里,策展人Karen van Godtsenhoven和Miren Arzalluz选择以时装大师Cristóbal Balenciaga的作品作为主线索。为体现这一点,展览中展示Balenciaga设计的人形台全部被设置成了可自动缓慢旋转的模式,这一来是强调了Balenciaga的重要性,二来也全方位地展示了后者作品那如建筑一般的立体感和惊人结构。

最能体现这种非常规策展风格的展览,要属2004年MoMu委任驻伦敦的自由策展人Judith Clark策划的“Malign Muses: When Fashion Turns Back”展览。这场展览是基于时尚史学家Caroline Evans的一本理论著作,旨在探索时尚界的过往和当下是怎样相互交融,互相影响的。展览的理论基础原为概念化的文字,而Clark凭借着本身的建筑学背景和对时尚的独特理解,将这些虚无的理论转化成了博物馆空间里坚实的实体装置。例如,为展现不同时期服饰总是有着或多或少相似处这一点,Clark在MoMu展厅间设计了三个巨大相扣的齿轮,用作陈列服装的底座。齿轮转动时,交汇处相遇的服装便是有着直接或间接的元素挪用。在展览的其余部分,Clark同样安置了各类窥镜等装置,并时常只展示服装的肌理、廓形等某一细节而非全貌。如此一来,策展人似乎是在刻意地引导着观众的视线,让其留意展览中线索谜语一般的解读;而道具装置的巧妙使用强调了策展一词的实际操作方面,一改早前时尚展览以展品本身为重心的基本策展手段。这场展览后期还被伦敦维多利亚阿尔伯特博物馆邀请在馆内重新展出,并被诸多评论家称作是改变时尚策展面貌的决定性展览。纽约时装技术学院博物馆馆长Valerie Steele就评价道:“我当年在MoMu看过‘Malign Muses’展览后,回到办公室做的第一件事就是和所有策展人们开会,说这场展览永远地改变了我们的行业。我们也必须要做出这般带给人浸入式体验的展览。”

MoMu如今每年举办两场展览,一般为一场主题展和一场单一设计师作品回顾展。早前的展览既有讨论了羽毛元素在时装设计中的应用,纸张为何可被用作制作衣服的别样材质等;也有帮助Dries Van Noten、Martin Margiela等设计师梳理了他们在事业生涯上取得的成就。不意外的是,MoMu以单一设计师为主题的展览关注的多是比利时本土的设计师,这些展览也常常有着设计师本人的积极参与合作。“这些都是为了进行前期研究的合作,而不是所谓的广告宣传,”Debo解释道,“而且和设计师、时装屋合作策展时,也并非比举办主题展览简单。因为时尚界和博物馆界到底来说是两个行业,工作的节奏速度完全不同。展览需要提前几年时间就开始着手规划,但时装屋专注的只是最近几季的系列设计,不会考虑未来那么远。我们就需要花很多时间说服品牌的人:如果要做好一场展览,就必须要有足够的时间来取得对研究主题的充分反思。”

虽然标榜着是一家国际性质的博物馆,MoMu依旧是有着强烈的比利时地方特色。它们的藏品最早可追溯到十八世纪,但博物馆展出的和当下积极购买的,依旧是当代比利时设计师的作品。“因为从历史的角度来说,过去比利时并没有很多重要的时装设计师。大部分的人是在上世纪七十年代左右才崭露头角的。这也是为什么我们不太会区分自己的馆藏为历史性藏品和当代藏品,更愿意把它们分为设计师藏品和非设计师藏品——因为是前者以及他们的成衣作品是最早让比利时时尚扬名的,”Debo讲到,“但我也有所担心。如果再过一百年回首来看MoMu的馆藏,你很难知道当下人们是怎样的穿着打扮。毕竟不是所有人都会穿着Margiela或Dries的衣服的。”

“我们不可能覆盖所有方面,”策展人Godtsenhoven补充道。她不久前便在巴黎时装周上,为博物馆购买了Olivier Theyskens等人的新作品:“但这也有好处。大家想到比利时就会想到我们,这也帮助了博物馆在短时间内就建起了明显的特质标签。前几天,我还收到了纽约现代艺术博物馆(Museum of Modern Art)的邮件,请求从我们这里借走Maison Martin Margiela的‘Tabi Boots’。显然大家都知道我们代表和擅长的是什么。”

如今MoMu每年接待着超过十万名的参观者,是安特卫普最受欢迎的博物馆之一。而这个数字依旧在不断攀升着。“随着博物馆越来越受欢迎,我们的展览也需要做出调整。博物馆和它的展览同样需要对社会上的变化做出回应,而这是我目前正在思考的问题。例如,再过些年,安特卫普的人口中几乎三分之一的人是有着移民背景的。我们要怎样把这些新观众们也吸引到博物馆里来,让他们理解我们所做的工作,这是个非常重要的议题。如果博物馆不能与社会和人们的生活息息相关,它们也就失去了自己存在的价值。”Debo讲到。MoMu在当下正着手设计的一个项目,便是考虑和比利时的Guislain博士博物馆(Museum Dr. Guislain)合作,研究服装是否可以在治疗心理疾病方面发挥相应的功效。

当然,博物馆更大的功用还是在为公众讲解时装史发展这方面。“如果我们不去为一些设计师策展,不撰文介绍他们的贡献,那他们就真的会被人遗忘了。例如,年轻一代人了解Balenciaga是通过品牌的鞋履和手袋,但他们不清楚Balenciaga本人是个怎样伟大的人物,”Debo说道,“再比如,我们在2017年春季开幕的新展览,就是在讨论Martin Margiela在1997年到2003年担任Hermès创意总监时期的历史贡献。他对于奢侈品的理解,对当下时尚界有着深远影响。Céline甚至COS等品牌的设计便和他当年为Hermès创作的作品有着很强的相似之处。更何况那时是在网络和社交媒体盛行之前的时代。人们找不到关于这段时期的太多资料和图片,因此Margiela本人的成就就很可能被遗忘掉了。这就要靠我们重新梳理清这段历史,并讲给人们听。”

在“Margiela: The Hermès Years”展览过后,MoMu将闭馆两年修整馆内设施,并扩展用于展示固定陈列的新空间。Debo进一步解释道:“我们的库藏里有几万件的物品,但大部分的藏品很少会对外展示。有着恒定主题的固定陈列便给了这些馆藏示人的机会。另外一个原因是,之前我们在每年两场展览的间隙间,会为了布置展览而闭馆数周。这样一来,博物馆一年内大概有三个月的时间是没办法对外开放的。这就对吸引游客络绎不绝地前来造成了影响。固定陈列能够保证未来的参观者们总是会在馆内找到新鲜的展示。”

在过去的十几年里,时尚已然成为了全球化的产业,受到无数瞩目,而以时尚为主题的展览也是日益流行。甚至从未有过类似展览项目的博物馆也为了吸引更多的观众,纷纷涉足时尚策展。“一些博物馆纷纷在引进时尚展览。结果等展览到的时候,大家不知道究竟要怎么把它布置起来。很多博物馆的人会急忙着和我们联系,询问MoMu是否可以派些专门的人士去帮他们布展。那时他们就应该意识到时尚策展是门真正的学科。”Godtsenhoven讲到。

而这也引发了对究竟何为时尚策展的思考。至少就MoMu而言,它是关乎梳理历史,并用细腻动人的手法把服饰和与它相关的种种议题概念一并展示出来,而不仅是追求视觉效果的单纯服装陈列。Debo说道:“设计师们本身能做出非常精美的陈列布置——只要看看他们的店铺装潢就好了。但博物馆做的,是在之上再加一层语境,让服装有着更深刻的含义和价值。当观众们参观展览时,是我们增添的这种解读,才让人们领悟最多。”

备注:

  1. 文章原载于中文版《T》杂志2017年三月号
  2. Karen van Godtsenhoven目前已于大都会艺术博物馆服装学院就职
  3. 翻修后的MoMu将于2020年重新开幕