访谈系列:时装设计师杨桂东

时装设计师杨桂东和他的个人品牌SAMUEL GUÌ YANG是当代中国时尚产业最值得关注的对象。

你出生和成长在中国,之后又去了西方国家游学。能从你的教育背景开始讲起吗?

原本在国内时,我是一名艺术生。之后来到英国留学,我也是把艺术作为自己主要专业。在国外,学校会更希望你能用语言表达,就像写论文那样,去讲解清楚为什么你选择与不同人,如摄影师、设计师等进行合作。而国内更多是让你不断地绘画,不间断练习自己的基本功。所以说国外的教育很大程度上开拓了我的视野,让我开始注重去抒发那些很自我,真正想要表达的想法。这个是在当时最大的体会,也对我有很深的影响。

在中央圣马丁艺术与设计学院主修时装设计又是怎样呢?这样以西方为中心的教育体系尽管会鼓励你去明确找准自己在行业内的身份和位置,但是否也存在着因为对你的文化背景不甚熟悉,而无法给到积极反馈的情况呢?

我对中央圣马丁教育方式的理解是它是非常开放式的。它在教导你做设计时,是不要你中规中矩被限制在一个框架里。但无论怎样,圣马丁都是一个坐落在伦敦的院校,大部分的老师是英国人或来自欧洲其他国家的。他们所经历的文化和时尚是八、九十年代时非常踊跃、先锋的那种。而当你还只是一个学生而不是设计师,没有能力有自己独特的设计语言时,要去驾驭这些西方传统或历史的主题,并且仅是在学校给出的短短一、两周作业周期时间内,是很难把它做得透彻和游刃有余的。这是我以学生的角度来看。不单单是中国学生,连其他国家地区,甚至英国本土的学生都会面临这个难题,进而和学校导师产生分歧,发现自己想要表达的东西得不到导师的鼓励或支持。至于我当年的经历,我更多是以一个好奇心很强的心态去面对这里能给予我的一切。学校不会给你明确的对错评判,而是注重你怎样做研究,搜集整理各种信息,和如何把这一切消化后完整地呈现给别人看。

你在毕业后,选择留在伦敦创立自己的品牌。伦敦这样的环境对于塑造品牌追求的特定审美有怎样的便利和限制?

伦敦最大的便利在于它对时尚产业的扶持,对新人设计师有更开放接受的态度。但这样的态度能否给到我们这些来自海外,在这边留学、定居和创业的设计师一定帮助呢?可能还不够。伦敦的英国时装协会还是更支持本土的,或者说更符合特定味道、风格的设计师,比如比较aggressive、夸张。这可能是限制之一:表面很多元,但内在还是有点古板。这时候,其实自己单打独斗,在一旁默默进行研究创作,可能会更好一点。但这归根结底还是在于设计师自己的选择。不管怎样,你的决定在这里都还是会得到人们的尊重。

若是从你的毕业系列开始算起,其实大家如今很喜欢的隐晦中国性的部分,其实是在后期才慢慢显现出来的,而非是一开始就存在。是什么使你的设计方向发生了转变?

这个转变过程是蛮明显的。但我很庆幸外界的解读看得出,这样特质是一点点出来的,不是一下子摆在你面前。对我来说,中国文化是非常含蓄且有长远历史的,但要怎么把它变成非常当代,这一点人不能心急,需要一点点慢慢把它理出来。我们自己也是每一季小心翼翼地嫁接,需要一定的过渡和酝酿在其中,而不是只在表面简单盲目地挪用。要说是从什么时候起我开始关注这些,应该是在2017年春夏系列那时。我当时先在米兰做了一个小型静态展示,后来回到上海时装周参加LABELHOOD。这样回国展示和面向中国市场的契机,影响到了我们开始在系列故事中嫁接一些我在成长过程中遇到的,对于中国的一些想象。

时尚尽管是社会和文化现象的折射,但也避免不了受到市场因素的驱动。另一方面,很多时装品牌在过去几年间,也都有针对中国市场推出特别系列的做法,并在作品中表现出某种东方主义的倾向,即对中国以一种刻板印象和误读手法来诠释。但因为文化话语权不平等的关系,这样东方主义思维也会不可避免地影响到东方人自己身上。对于你的创作,你有察觉到类似情形吗?你会选择怎样的素材当做参照?

我在欧洲生活这么多年,东方主义(orientalism)在我看来是跟异域风情(exoticism)相关的,这一点让我感觉不是很喜欢。东方主义风格在世纪初时,在很多设计师的作品中出现过。那时他们还是保持一定距离地去解读东方文化,但解读往往会容易变成幻想或误读,开始有种异域和坏品味感,让人感觉是在调戏这个文化。这里面也常伴随着文化挪用、文化殖民现象的发生。对我来说,中国时尚需要是定位在当下的,去研究当下人们的着装、言行是怎样面貌,设计师再加以提炼。这点在我的品牌中可能还没有完全表达出来,但的确是设计团队每一季关心的问题。

但因为中国历史的关系,当代中国时尚产业的发展应该是从七十年代末改革开放开始算起,从那时起才逐渐有了如今的更关于个体主义,自我表达意识的着装行为。而这也是对外开放,外界思潮涌进的一个过程。好比你一直在改良的旗袍,本身也是受到二、三十年代西方时装风格影响的产物。这个样子来说,当代时装设计中,关乎中国部分占多少比重的问题就变得更有趣了。

其实我觉得自己作为一个中国人,从事着服装设计工作,不一定需要明确地判断作品中中国性所占多少……

或者换个方式来问,对于你的设计来说,旗袍形象吸引到你的是什么?

因为我的成长背景。我在广东长大。作为临海地区,广东在世纪初时有着很发达的外贸交易,自然外国的文化也会融入进来。另外一些李安、王家卫的电影对我影响很深,这些作品里都有着很明确的旗袍印记。还有就是广东这边,我还记得小时候有些茶室的服务员阿姨们会穿着很粤派的旗袍制服......

这一次的展览中,我特别挑选了品牌2017年秋冬系列中的一条红裙子,它就是有着旗袍的立领和门襟。但对我而言,这件衣服厉害的是它的结构,是有点介于二维剪裁和三维立裁之间,会让我想起Issey Miyake当年用一块布做出立体效果的设计。另外你在拍摄这个系列的lookbook时,照片的背景选在了伦敦中国城,但成片效果又和传统人们印象里西方国家中国城艳俗的形象完全不同。

这个系列是我们开始想做当代中国时装的第二季。当时做静态展示的背景音乐,都是选用的九十年代粤语流行乐等。至于这条裙子,我们是希望突破旗袍传统的形态,探索剪裁方面更多的可能性。一般旗袍是会比较修身的,但我们在裙子的右边做了一个类似披风一样的结构,让布料可以根据人体的形态自然扭转。这件设计上身效果还是非常dynamic的。这就是一个有趣的,关于东方和西方的结合。你没有办法很明确地把两者区分开。

你的品牌是面向全球市场的,而非只有中国。其他地区的买手、媒体和客人对于这样的风格有什么评价?

中国的买手对于我的设计里东方元素细节还是非常鼓励和感兴趣的。西方客人除了一方面会明白品牌的定义会有一些中西结合的点在其中外, 他们会对面料、剪裁、整体上的审美等更关注一点。顾客方面的话,他们会对我的一些特殊剪裁、颜色选择、整体比例、造型等看得更重,反而不会去深究我这件衣服到底是算东方还是西方。

很多设计师在前期创作时,脑海里会构想一个最适合演绎自己作品的女性形象。这样的思考方式对你来说是不是也同样成立?你会在前期构想这个女性形象时,也去考虑她的文化背景吗?

我们这几季专注的女性形象是有着黑色头发的东方人样子。她不需要非常高大,骨架还是比较亚洲人的,但尽管身材娇小,身材比例却是恰到好处。这些是我们随着创作过程推进,以及观察我们的客人,慢慢总结出的。还有就是我身边的朋友。她们来自不同国家地区,但都会买我的设计。这个形象塑造是个循序渐进的过程,也是到最近这一季才变得越来越清晰明了的。

那对于你本身的职业,被称为中国设计师或伦敦设计师,这样的标签对你的创作有影响吗?

我觉得还是需要标签的。特别是现在有这么多设计师品牌,标签会更好把设计师和品牌们进行分类规划,也可以帮助消费者或媒体们理解大家的创作。但对我个人来说,我比较关心的是大家会怎么定义、评价我的品牌。比方说,说我是中国设计师,但我的工作室是在伦敦,团队里也有各种文化背景的成员,这样会不会模糊掉其余人对品牌的贡献呢?我起初是蛮抗拒这样个人主义的做法的,即说我就是我的品牌的代表。我需要给到我的团队他们应有的认可。品牌整体的设计理念和发展方向不单纯是我一个人完成的。所以这就很矛盾。一方面我喜欢标签分类,另一方面也很排斥它。

那大家习惯的,按照国籍或地区对时装设计风格进行划分在当下还有意义吗?

我觉得是值得讨论的。像上世纪八十年代左右,一群日本设计大师涌现出来,给了巴黎时尚界极大的震撼。大家也一直都期待这样现象可以发生在中国设计师身上。我在读研究生的时候,导师就一直跟我说要考虑自己的责任,鼓励我们从自己的文化背景角度出发创作出新的东西。当年的日本设计师现象就是他常会举的例子。这可能跟他在中国工作过的经历相关,也可能是因为学校里有越来越多来自中国的留学生。所以我相信这会是将来发生的时代动向。但具体怎么实现?这还有待观察。

你怎么看待文化流动性,和时装创作中的文化窃取挪用现象之间的对立关系?

时尚是文化殖民现象非常严重的领域。无论是从业者人种、肤色多样性方面,还是文化挪用问题上。当年John Galliano的歧视言论事件爆发后,时尚界有收敛谨慎了许多。近年Gucci的流行,又有点把关于异域风情的议题重新带回到业内......但这也关于文化话语权。像我们之前提到,中国文化和历史断层很严重,我们要先把自己的文化拾起来梳理好,才可能去批评指出其他人文化挪用现象不甚恰当的地方。这是个很复杂的议题,也取决于人们思考的角度:从文化层面,还是从时尚层面?

这次的展览想要讨论的另一个方面是关于中国元素使用程度的问题,例如大家常批评符号堆砌的设计手法,但到底怎样才算符号使用过度?你的设计当然是非常隐晦的。所以这个问题是你有思考过的吗?

我觉得设计本身是应该有与外界沟通交流的作用的。做设计时,创作者当然可以上天入地,参考任何事物,但后期你要懂得怎么去把这些参照“约束”起来,去对它进行酝酿、提炼,留下最好的部分,去掉浮躁、不相关的部分。这是一遍遍思考、筛选的结果。但时尚界的特点是创作周期很短。从业者很难像手工艺人们那样,只对一件作品长期地精雕细琢。讲回设计的沟通作用,我的理解是创作者不能只是挪用不同元素拼贴在表面。这些参考素材本身的文化含义是需要你理解,并且在自己的创作中反映出来的。最后的成品应该是在每个细节部分都有你深思熟虑的痕迹。这才能最好地向外界传达你想表达的思想。

备注:

  1. 采访为“New China Chic: A Fusion of East And West 东西文化交流下的当代中国时装”展览特别创作

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